Lo nunca visto
Lo Nunca Visto, foto de Susana Martín.
Hace unos años José Troncoso estrenó “Las princesas del pacífico”, un retrato descarnado de dos princesas varadas en la mugre a las que se les regala un sueño efímero para volver a bajarlas, de un golpe seco, a su infierno cotidiano. La obra se convertiría en icono del Off madrileño, repuesto mil veces, que seguirá vigente muchos años más.
Yo esperaba que el trabajo de José Troncoso y sus ACTRICES –mayúsculas, sí- Belén Ponce de León y Alicia Rodríguez , que soportan el peso de esta función con sorna y corrosiva mala leche entre la pena y el humor y que estaban para comérselas por los pies, algún día pudiesen alojarse en un trasatlántico real como el teatro Español.
Y lo han hecho con su segurnda producción, “Lo Nunca Visto”, retratando la mediocridad consciente de tres mujeres en un último acto fallido de entrañable dignidad y arrojo. Una despedida a lo grande, con mucho método, sin ningún talento, de la memoria rota de tres niñas a las que el tiempo y la vida les ha pasado por encima como una apisonadora. Tres mujeres que se ríen de sí mismas con empeño, con esmero, mucho miedo y carcajadas de chirigota, con la dignidad de esas mujeres del mercado del barrio que, casi descalzas, habiéndolo perdido casi todo, niegan lo evidente en su lucha por mantener la imagen de lo que un efímero día quisieron ser.
A las inmensísimas Alicia Rodríguez y Belén Ponce de León se les une en esta ocasión Ana Turpin en un trabajo de composición de personaje a la altura de sus compañeras de reparto. Su Sofía es un baño de realidad en el sueño nostálgico de estas bailarinas rotas.
Lo Nunca Visto foto de Ignacio Ysasi
Como unas Zarandas amargas y negras estas divas que nunca lo fueron provocan carcajadas que se congelan como los gritos de la romería de San Isidro, de Goya: esas almas en pena cuya alegría se convierte en un rictus, en una mueca entre el esperpento y el dolor. Pero tranquilidad, ¡¡Aquí no se llora!! ( o casi)
Una vez más, como ocurre con el mejor teatro, estamos ante un trabajo de compañía-casi-familia, de esas que se lanzan a piscinas turbias en grupo para sacar oro y compartirlo con generosidad, gozándolo. Se nota el trabajo a conciencia, desde la caracterización grotesca y fascinante de estas criaturitas-personajas hasta la generosidad de su disponibilidad total al servicio del lenguaje de su autor y director. Sois el segundo placer inmenso de esta temporada que ha comenzado con buen pie. Larga vida a estas princesas mayúsculas.
La Verbena de la Paloma: 125 años viva ( ¡¡Y qué viva!! )
Del Teatro de La Zarzuela como teatro público me encanta su empeño en ofrecer espectáculos para todas las sensibilidades y hacer un esfuerzo por revitalizar el género.
Y su “proyecto Zarza” – hecho por intérpretes muy jóvenes para públicos muy jóvenes- es el modo más divertido y atractivo para acercar a estas nuevas generaciones el género más querido por sus bisabuelos. Si Guillem Clua ya adaptó una divertida versión de La Revoltosa, el ejercicio de Pablo Messiez para acercar lo mejor de La Verbena de la Paloma a nietos y bisnietos es un nuevo logro, brillante, poético, iconoclasta y rabiosamente divertido, sexy, atractivo.
Yo ya tengo unas décadas encima. Y aún a muchas personas de mi generación la zarzuela les resulta ajena, incluso los hay que la ven con cierta aversión ( ¿recuerdan aquellas versiones de televisión en que María Kosty, Alfonso del Real , Manuel Gallardo, Pedro Osinaga o Fedra Lorente, hacían zarzuela en terrible playback de las grandes voces..? )
A quienes nos resuena aún la Zarzuela para bien es a quienes nuestros abuelos – o nuestros padres, esto más raro – nos las reproducían en un viejo vinilo tesoro de familia, o mejor, nos las cantaban y nos explicaban lo que querían decir esas frases castizas ya entonces incomprensibles, porque eran de un pasado aún más remoto: “a mí con esas: Salesas” “No te pongas tantos moños, que a pesar de tu honradez a la calle de Quiñones te han llevao más de una vez”…
Mi abuela siempre me contaba que mi abuelo le cantaba el aria: “Madrileña castiza, luz de verbena, eres como un ramito de hierbabuena…” así que yo, que no conocí a mi abuelo, siempre lo asocié al Señor Joaquín que le tiraba los tejos a Ascensión, “La del manojo de rosas”.
Obviamente, si queremos que la Zarzuela no muera con nuestros nostálgicos y castigados cuerpos, habrá que hacer un esfuerzo generoso y admitir que no queda otra que acercarla a los jóvenes, servirla con renovado empeño como el musical lúdico, divertido, bello y sexy que fue en su tiempo. Cambiemos el contexto para que no cambie la esencia. Y pongamos el empeño en dar brillo a esas partituras, algunas bellísimas.
La Verbena de la Paloma es una zarzuela del género chico, un sainete costumbrista que se hacía eco de la actualidad del momento en que se escribió. Una crónica de sociedad difícil de entender hoy, afortunadamente.
La propuesta de Pablo Messiez para el Proyecto Zarza parte de un juego de “teatro dentro del teatro” genialmente lúcido, en que en un Madrid de calor afixiante un grupo de jóvenes movidos por la música maravillosa de Tomás Bretón y el deseo, hacen la obra. O más bien, la obra “se hace sola”.
Si cuando se estrenó La Verbena de la Paloma hace 125 años el libreto se hacía eco de los chascarrillos de la calle en aquel momento, de los impuestos, de los servicios públicos, de lo social, o de las modas nutricionales y farmacéuticas, la puesta al día de Pablo Messiez con estos jóvenes, fantásiticos intérpretes y cantantes y una orquesta de cámara delicadamente dirigida por Óliver Díaz, retrata en un segundo plano los chascarrillos de antaño y en otro principal la sensiblididad, la alegría, los deseos y el día a día de estos jóvenes del siglo XXI. Con poesía, mucho amor, mucho humor y mucho calor. ¡Que viva Nuestra Señora de la Soledad y las verbenas en su honor, que se hicieron para no estar solos! ¡Que viva el Proyecto Zarza y que viva Pablo Messiez!
Gracias por hacerme reir como un condenao, gozarla como un mocoso y volver a cantar las canciones de mis abuelos como si acabase de descubrirlas.
Catástrofe
«Catástrofe» no tiene trampa ni cartón porque ambas cosas las pone en evidencia: No esconde la teatralidad, juega con ella mostrando el artificio escénico nacido de un proceso de creación que parte de las pequeñas tragedias de cada uno de sus actores, de sus catástrofes -pasadas y por venir- atravesadas por la ficción que el autor pone negro sobre blanco para ellos.
Si el pasado es una mentira elaborada con la ayuda de esa pareja traidora que son el tiempo y la memoria ¿ por qué no poner en escena el andamiaje, los mecanismos de la autoficción y las trampas narrativas que nos puedan proporcionar un sinfín de salidas que lo rediman o nos reconcilien con él ?
¿ Por qué no permitirnos jugar con los sueños, con las pesadillas, con las posibles vidas descartadas, o los finales que deseamos? ¿Por qué no procurar a los personajes un agujero por el que escurrirse a otra ficción mejor ?
¿ Y si algunas catástrofes tan reales y determinantes como la caída de las Torres Gemelas parecían una ficción mientras las presenciábamos y supusieron una ruptura global, por qué no poner en ficción las catástrofes íntimas que suponen una ruptura personal, con el fin de crear teatro vivo… y vibrante ?
Cuatro personajes en busca de autor, Irene, Mikele, Ion y Jota, nos agarran por las tripas y nos meten de lleno en su juego de memoria personal y colectiva, en sus referencias biográficas, que tal vez hagamos nuestras, en sus miedos, que pueden ser los nuestros también, en su mundo imaginario, bien rico y puesto en escena por Íñigo Rodriguez Claro que dirige el artificio magnífico en una dirección precisa para llegar al caos más estimulante. Me parto el pecho con mil escenas y me arrasan otras, como el final, hasta el oscuro.
Antonio Rojano hace una dramaturgia brillante llena de escenas geniales, de capas infinitas, entre las que dejarse deslizar y gozar sin saber lo que nos deparará el siguiente giro.
Gracias por la risa; por dejarme entrar en vuestro juego desde el primer minuto; por hacerme querer acabar dando la mano a Mikele y hacer Chejov con Ion; por querer una nieta como Irene y un compañero de montaña para afrontar miedos como Jota… Gracias por hacer teatro VIVO.
CATÁSTROFE ( Sala Cuarta Pared )
Dirección: Iñigo Rodríguez-Claro
Dramaturgia: Antonio Rojano
Reparto: Ion Iraizoz, Mikele Urroz, Irene Ruiz, José Juan Rodríguez
Espacio sonoro: José Pablo Polo
Vestuario y espacio escénico: Paola de Diego
Diseño de iluminación: Pablo Seoane
Producción: La Caja Flotante
Audiovisual y diseño de cartel: La Dalia Negra
Ayudante de dirección: Carlos Pulpón y Javier L. Patiño
Comunicación: Cristina Anta
Coreografía: José Juan Rodríguez
La Zaranda vive
Particulares, geniales, únicos, singulares, reyes de su espacio de libertad, que no es otro que un escenario, La Zaranda celebra su 40 aniversario con «Ahora todo es noche», un mazazo de angustia vital, de pena negra, de risa nerviosa y culpable, de silencios, de reiteraciones, de entrega, de compleja sencillez; de público de respiración contenida y liberada en carcajadas como estertores.
La Zaranda retrata la dignidad, el pudor, la vergüenza y la genialidad de esos filósofos invisibles que lo han perdido todo, que han sido desheredados de la noche al día, que van a asumir la desesperanza en breve o que ya perdieron toda esperanza hace tiempo. Y nos recuerdan que cualquiera de los privilegiados que los contemplamos desde el patio de butacas estamos a un despido, a un contrato basura o a una nueva burbuja inmobiliaria de pasar al otro lado.
Los viejos filósofos alcoholizados de Noches de Bohemia, los recién llegados al infierno, y los que han intentado liberarse del dolor de la existencia pero no lo han conseguido por miedo a que el dolor no cesase del otro lado, recorren las cloacas de la ciudad, las aglomeraciones de viajeros ( donde están seguros porque las cámaras de seguridad no sienten su hedor) los cartones de la Gran Vía, los comedores sociales ( donde vuelven a ser niños ) o los basureros a rebosar de recuerdos que, abandonados, se convierten en olvidos… Y los habitan con la retranca y el humor negro que estos poetas de la mugre manejan como nadie. Y es que su guarida y su reino es el escenario; su fe la depositan en Shakespeare, en Calderón, en la magia de la escenografía ( poesía visual es hacer de tres carros, dos maletas y una camilla, toda una ciudad) en el lenguaje, en el gesto…
Y si Lear muere cada noche en el escenario, es que Lear vive eternamente. Y si Lear vive, estas viejas vagabundas de la escena que son La Zaranda y su poesía, también lo harán.
¡ Que lo hagan por muchos años y sigan despidiéndose a ritmo de bolero !
«Ahora Todo es Noche» de Eusebio Calonge
Teatro Español, Madrid, del 19 al 29 de abril de 2018
Paco de La Zaranda
Enrique Bustos
Francisco Sánchez
Iluminación: Eusebio Calonge
Espacio Escénico: Paco De La Zaranda
Regiduría: Eduardo Martínez
Una producción de LA ZARANDA – Teatro Inestable de Ninguna Parte en Coproducción con el Teatre Romea
#AplausosTuiteatreros2014
Hace ya más de tres años que un puñado de espectadores apasionados de las artes escénicas nos encontramos gracias a Twitter. Luego nos fuimos encontrando en la realidad -también algo virtual- de los teatros . Y desde entonces, siempre a través de Tweets, los #Tuiteatreros agradecemos, con un aplauso virtual, algunos de los momentos de emoción que hemos compartido a lo largo de la temporada gracias estos benditos comediantes que se mueren por contarnos sus historias. Vayan para ellos estos #AplausosTuiteatreros2014
De nuevo, esta ha sido una invitación a todos los #tuiteatreros para que ofreciesen un aplauso más a quienes les regalaron la emoción desde un escenario:
¡Las cosas que yo he visto en 2014 !
Es noche de Reyes, esa «Quinta Noche» que pone fin a la rutina que, con fervor y dedicación, nos imponemos en estas fechas a golpe de celebraciones excepcionales, banquetes excepcionales, reencuentros excepcionales, cuñados o suegras excepcionales y aglomeraciones excepcionales.
Propicia, esta noche de Reyes, para agradecer lo que para mí fueron los regalos teatrales más preciados del año que acaba de pasar.
El mayor, sin duda, el de asistir cada lunes a una lección de teatro de la mano de Pablo Messiez. Verle crear es un espectáculo fascinante siempre, divertido las más de las veces y profundamente conmovedor en muchos momentos que son un bálsamo. Y de la mano de Pablo Messiez, con la ayuda de Calderón, Cervantes, Santa Teresa de Jesús, Lope y unos huérfanos -los Grumelot- abandonados a su suerte, también llegó la obra más poética y conmovedora de la temporada. Poesía y clásicos para un apocalipsis de extrañamiento, orfandad compartida y búsqueda, «Los Brillantes Empeños», que se presentó en un templo como el Corral de Comedias de Almagro y creció en Nave 73, volverá felizmente renovada en 2015.
Un privilegio fue también poder revisar tres obras de Pablo Messiez en la retrospectiva que la Sala Mirador le dedicó ( ver entrada: Messiez en Mayo ) Y a partir del 14 de Enero de 2015 Messiez dirige «La Piedra Oscura» de Alberto Conejero en la Sala de la Princesa del CDN. Se espera lo mejor de estos dos creadores, que cumplirán el sueño de Moscú de Masha, Olga e Irina, para después presentar la obra en lo más frío del frío invierno.
Otro regalo, este agridulce, fue poder asistir a la última función de «Ahora Empiezan las vacaciones«, la obra más terriblemente desoladora y dura ( Strindberg, Bezerra, Luque y sus 4 cómplices exquisitos tienen la culpa ) que se despidió definitivamente de La Casa de la Portera
Las «Cenizas» de Alberto Velasco y Chevi Muraday, terriblemente duras y poéticas, con textos de Pablo Messiez y Guillem Clua, también se despidieron de la casa de la Calle Abades. Y yo pude ir a despedirme de este viaje tan personal, doloroso y bellísimo.
Privilegio que agradezco a los Kamikazes, con Aitor Tejada al frente, es el de haber asistido a un ensayo general de La Función Por Hacer pocas horas antes de que la compañía comenzara una gira sudamericana que les llevaría de Brasil a la mítica Timbre 4 de Claudio Tolcachir. Creo que era mi sexta «Función por hacer». Siguen sin poder acabar de hacerla, afortunadamente.
Un regalo inolvidable también fue el que me brindó el genio Tolcachir en París: Durante un tiempo la Emilia española coincidió en cartel con la versión argentina en gira por Europa. Ya expresé mi fascinación por la obra desde el primer segundo, así que no pude resistir la tentación y me embarqué en un viaje express. En el teatro de Créteil pude comprobar que la versión argentina de «Emilia» funcionaba tan bien como la española. Del trabajo de Tolcachir con los dos equipos surgían dos obras igualmente ricas, pintadas con paletas de color con matices diferentes.
Regalo universal, redondo, perfecto, ha sido este Misántropo en que Miguel Del Arco y sus Kamikazes ponen a Moliére al día…. Todo funciona en Misántropo: La versión y el ritmo, el reparto perfecto, la iluminación, la escenografía… Ya lo dije casi todo, aunque después de escribir esta entrada la vi, como buen repetidor, en cuatro ocasiones más. Fue el regalo más repetido entre familia, colegas y amigos. Y la recomendación más agradecida. Teatro enorme, esta producción quedará entre lo mejor que ha pasado por el Teatro Español de Madrid desde que fuera Corral del Príncipe allá por el siglo XVII.
Muy cerca del Teatro Español, a 5 minutos andando, José Martret y Alberto Puraenvidia abrieron su Pensión de Pulgas con MBIG, una fantástica revisión de Macbeth, con un reparto estupendo y una concepción más que original y vibrante. Un regalo que estuvo en cartel todo el año y que ha de seguir en 2015. Vi la primera función y la número 100 de MBIG. Espero poder celebrar la número 1000 algún día.
Esta singular Pensión también ha alojado apuestas tan interesantes como «Cliff» de Alberto Conejero o la dura, seca e inquietante «Sótano» de Josep María Benet i Jornet, dirigida por el infalible Israel Elejalde y vivida por unos fantásticos Victor Clavijo y Juan Codina.
También conocí la maravillosa historia de Petit Pierre y sus queridas vacas en el Teatro de La Abadía. Y gocé con trabajos de interpr
etación incontestables como el de Blanca Portillo en «El Testamento de María» -ese momento abrazada al sudario del hijo, junto al pozo me lo guardo para siempre- o el de Jose Gonçalo Pais en «La Noche Justo Antes de los Bosques», de Koltés, dirigida por César Barló…
En noviembre me conmovió el impresionante trabajo de Andrés Requejo en el mejor unipersonal del año: «Elegy«; un texto y una interpretación que me atraparon sin remedio y que revisitaré este mes de Enero de 2015 en Nave73. Todo un descubrimiento fascinante que no hay que perderse, como no hay que perderse el regreso de Inma Cuevas y Fran Calvo con la fabulosa «Constelaciones», que se pudo ver en Kubik Fabrik y llegará al Teatro Lara, ese lugar donde el Luis Guzmán de Pablo Remón fue abducido y adoptado por mi memoria para siempre ( ver entrada « Abducido por Luis Guzmán» )
2014 ha sido también el año de la presentación de La Teatra, un grupo muy joven liderado por Juan Jiménez, que nos han sabido traer el espíritu del Hotel Chelsea de NuevaYork con su entrañable y divertida «No (me) Abandones». Durante dos meses llenaron los viernes del Espacio Labruc y me gustaría poder volver a verlos muy pronto en 2015.
José Padilla presentó Düssel4, con un divertidísimo ( y «sincerista» ) Juan Vinuesa, en la tristemente desaparecida sala El Sol de York. Y repitió temporada en el CDN con «Haz Clic Aquí«. Padilla es el dramaturgo que mejor conecta con la sensibilidad de un público joven a través de un teatro inteligente, efectivo, entretenido y con cargas de profundidad. Ojalá hubiese más apoyo al teatro de autores como Padilla para acercar a nuevos públicos.
El final del año me regaló, con «Cuando Deje de Llover«, una sorpresa en forma de texto-puzzle donde los haya, maravilloso y con un Pepe Ocio contenido y magnífico que nos ha dado una de las escenas más perturbadoras y redondas del año, mano a mano con Pilar Gómez.
De Moscú llegó Declan Donnellan para enseñarnos a bailar con Shakespeare en una versión rusa de «Medida por medida» que era toda una fiesta coreográfica. Y de París llegó Peter Brook y su espacio vacío ocupado por la hipnótica Kathryn Hunter para dejarnos atrapados en el valle del asombro. Fascinante The Valley Of Astonishment en su aparente sencillez. Desde Milán llegaron a los Teatros del Canal los hermanos Servillo de la mano del Piccolo Teatro di Milano , el templo de Giorgio Strehler, con «Le Voci di Dentro» de Eduardo de Filipo. Otra lección de teatro. Como lo fue el teatro documental venido de México hasta las Naves del Español con la fabulosa «Baños Roma«, de Teatro Línea de Sombra
Los viajes tuiteatreros, aparte de la Emilia porteña de Timbre 4 en París, me han permitido conocer por fin el festival de Avignon, donde gozamos de un trabajo delicioso de poesía en movimiento con el Orlando Furioso de Ariosto que presentó la Scuola Teatro Dimitri de Locarno, o de teatro político controvertido, muy interesante e iconoclasta en «La Imaginación del Futuro» de la compañía chilena La Re-sentida dirigida por Marco Layera. El periplo provenzal nos ha permitido también revisitar un templo magnífico: el teatro romano de Orange.
Y el viaje tuiteatrero más aprovechado, la visita a Fira Tárrega. Un fin de semana de teatro de calle, donde gozamos de una emocionante lectura del Ensayo sobre la Ceguera de Saramago, a cargo del polaco Teatr KTO en «The Blind«; donde experimentamos la vida en una granja con los muy excéntricos y virtuosos «Animal Religion» en «Chicken Legz» y donde con «Fugit» de la compañía Kamchatka vivimos una huída por todo el pueblo en una experiencia que va más allá del teatro convencional: Alegría, emoción, adrenalina, fiesta, temor y desconsuelo en primera persona…. Todo un viaje interior, una experiencia profundamente personal vivida en grupo.
Este año me he emocionado también «descubriendo» la voz extraordinaria del tenor Javier Camarena en el Teatro Real ( un placer que reproduzco de vez en cuando para cerciorarme de que fue verdad en este enlace de Youtube ) He flotado dentro de la gruta de cristales de Antony and the Johnsons, he vibrado con Jamie Cullum y su piano, con el Purcell más exquisito en versión de Peter Sellars, con la magia mestiza de Israel Galván y Akram Khan en Torobaka o con María Bayo en una producción fantástica de La Voix Humaine en los Teatros del Canal… Pero todo esto ya es otro cantar.
Queridos Reyes Magos: Por favor, dejadme una colección de momentos como estos para 2015. A cambio os dejo agua para los camellos. Y para vosotros os dejo un ministro de Cultura y otro de Hacienda que no creen en la magia necesaria de las artes escénicas. A ver si nos los pudierais cambiar por otros con alma.
En Construcción
Una noche de verano de 2012 en Microteatro, unos cuantos #tuiteatreros nos tropezamos con una pequeña joya que nos dejó a todos en el sitio y a alguno hipando con un llanto desconsolado: Habíamos presenciado 15 minutos de amor, ilusión, derrota, esperanza, nostalgia, dolor y sonrisas. En ese tiempo y en una sala mínima, con un calor sofocante, un gato chino de la suerte, la dirección de Tristán Ulloa y unos Carolina Román y Nelson Dante exquisitos, entrañables, nos acercamos a las vidas de Sole, Pablo y la pequeña Sofi.
Esos 15 minutos eran el final de una pieza más larga escrita por Carolina Román y Nelson Dante. Y nos tocó tanto que no podíamos concebir que no se presentase la obra completa. Para gozo nuestro, se hizo unos meses después en el Teatro del Arte, en Madrid. Luego giró por España, volvió a la Sala Mirador, fue candidata a un premio Max (ya había ganado uno de los #aplausostuiteatreros2012 , todo hay que decirlo ) y ahora en el mes de julio de 2014 vuelve al Teatro del Barrio, en lo que parece ser su despedida de Lavapies.
Y como pudimos comprobar de nuevo el miércoles pasado, En Construcción ha vuelto crecida, asentadísima, más emocionante si cabe, más exquisita, tierna y agridulce; intactos aquellos momentos vibrantes que ya se nos habían quedado grabados a fuego, como el sueño de Sole, sus retratos familiares, las quimeras de ese Pablo hipertímico, canalla y entrañable a la vez o la emocionante escena final. En Construcción narra algo que hace muy pocos años nos podía parecer ajeno, exótico, tanto como lo era la vida de los Coleman, de Tolcachir. Cuando vimos la versión “micro” en 2012 la puñetera realidad nos hizo ver que la peripecia de Sole y Pablo podría ser la nuestra, que también aquí un banco te podía robar tu sueño de Capri y que los derechos humanos se desvanecen si estás fuera de la rueda.
En 2014 ya podemos constatar que la de Pablo y Sole es ya nuestra historia, la de muchos amigos, la de la generación mejor formada que ha de buscar su suerte bien lejos. Que hace tiempo que esta historia dejó de sernos ajena.
No pierdan la oportunidad de conmoverse, como yo, con esta obra que al fin y al cabo es una agridulce y bellísima historia de amor y supervivencia.En Construcción se programa los miércoles, jueves y viernes de julio de 2014 en el Teatro del Barrio :
c/Zurita, 20, 28012 Madrid, teléfono 91 084 36 92
Messiez en mayo
Mayo de 2014 es ya «Mes Messiez» en Lavapies. La Sala Mirador y Juan Diego Botto van a cumplir el deseo de muchos #tuiteatreros al programar, durante este mes, tres obras del genial dramaturgo y director Pablo Messiez: Los Ojos, Las Plantas y Muda.
Allá por 2011, el Teatro Español programó una «primavera Tolcachir» en Las Naves del Matadero. A la salida de una de las funciones, mientras todos alabábamos el trabajo de Tolcachir y el de la compañía de Timbre 4, que habían renovado nuestra pasión por el teatro, alguien advirtió que no debíamos perdernos el trabajo de otro porteño genial. Se refería a Pablo Messiez, del que había visto “Ahora” y “Muda” y a quien el resto deconocíamos.
Pocos meses después de esta conversación, Pablo Messiez estrenaba, en la sala pequeña del Fernán Gómez, “Los Ojos”, libérrimamente basada en la Marianela de Galdós. Fue mi estreno “Messiánico” y el de muchos : La obra me atrapó desde la primera escena: En total oscuridad entré en el mundo sensorial de Pablo, un ciego enamorado, para hora y cuarto después salir iluminado -y arrasado- por las historias de Nela y Natalia, por la poesía de un texto conmovedor, duro, sutil y terrible que sangra humor desesperado. Hubiese querido adoptar a Nelita y darle todos los niñitos ciegos que viniesen al mundo, pero también a Natalia, para que pudiese dejar de sentirse “extranjera mal”, sapo de otro pozo… y que así dejase de arruinarse la vida, la de su hija y la de los empleados de las compañías telefónicas.
Los Ojos habla del amor, del abandono, del desarraigo, de la añoranza, de la traición, de la pena negra. Pero también habla de fe y superstición, de esperanza, de resignación, de la lástima, de Chabuca Granda, de Roma, de Moscú…
Como Tolcachir o Miguel del Arco, Messiez es un dramaturgo-director de compañía estable, de familia teatral. Y eso es notorio en el resultado de sus trabajos. Así, en Los Ojos como en Muda, Marianela Pensado y Fernanda Orazi no parecen interpretar sus personajes, sino alumbrarlos frente al público y crecer con ellos, viviendo en su piel. La fascinación que produce el hecho de atrapar un instante de magia escénica, que es un bien escaso, está casi asegurado en cada función con estas dos soberbias mujeres, dirigidas por Pablo Messiez y magníficamente acompañadas por Oscar Velado y Violeta Pérez. El epílogo de Fernanda Orazi, bajo la luna del Pincio y ante un público hipnotizado, es de los que se atesoran para toda una vida: véanla en primera fila y lleven mechero: les consolará. En una de las 4 (ya 5) representaciones de Los Ojos a las que he asistido, un familiar de larga afición teatral me aseguró que no había visto sufrir a nadie con tanta verdad sobre un escenario, desde que viera a Maria Fernanda D’Ocón haciendo “Los árboles mueren de pie”. Para mi, Fernanda Orazi ya es esa referencia que tal vez vuelva a encontrar dentro de 30 años.
Los Ojos es un hito dificil de olvidar en la trayectoria de un amante del teatro, pero también son sobresalientes, maravillosas, las otras dos obras del ciclo:
Muda, anterior a Los Ojos, que solo tuve ocasión de ver una vez en El Sol De York ( sala a la que los #tuiteatreros estaremos eternamente agradecidos por haberla programado en 2013 ) y que repetiré para ver cómo escucha Marianela Pensado, siempre alerta, a sus eventuales vecinos. De nuevo la soledad, la necesidad de comunicación, el aislamiento elegido o impuesto y en este caso la hilaridad. Otra delicia de este genio que perfila sus personajes con trazos sublimes para que los espectadores acabemos de dibujarlos y descubrirlos a la perfección.
Las Plantas, presentada en el Fringe de 2012, es un fabuloso ejercicio de bravura en el que Estefanía de Los Santos -soberbia- desnuda su soledad mientras habla con sus plantas en busca de las razones por las que levantarse un día más, con la ayuda de Pulp, de Nina Simone, del helado de pistacho, y de los fluidos purificadores. La tercera delicia de un ciclo imprescindible
- Los Ojos , del 7 al 18 de mayo de 2014 jueves, viernes y sábados a las 20:00; domingos a las 19:30
- Las Plantas, domingo 11 de mayo de 2014 a las 17:00; domingos 18,25 de mayo y 1 de junio a las 13:30 ( añadidas 4 funciones en junio: el 7,8,14 y 15 )
- Muda, del 22 al 31 de mayo de 2014 jueves, viernes y sábados a las 20:00; domingos a las 19:30
Reserva de entradas: En la web de la Sala Mirador ; por teléfono en el 91 539 57 67 o a través de Atrápalo
el «Misántropo» de los Kamikazes visto por un «opinador» amateur
Misántropo: fotografía de Eduardo Moreno
El 23 de abril de 2014 el mentidero de la villa de Madrid se trasladó al Teatro Español ante la mirada atenta de Lorca y Calderón, que vigilan su entrada.
Desde ese día y hasta finales de junio, una pandilla de gigantes que se hacen llamar Kamikazes , pondrán un espejo ante la platea del Teatro para, desde él, criticar, cotillear, conspirar, reír, amar, desear, medrar, reflexionar, justificarse, ser autocomplacientes, frívolos o atormentados y lanzar cargas de profundidad a un público que necesariamente se verá reflejado de un modo u otro.
Representan (viven y hacen vivir para ser más exactos) una versión libre de Miguel del Arco sobre «El Misántropo» de Molière.
Escribo esto aún a riesgo de tener que dar la razón a Alcestes, el protagonista, que en boca de Israel Elejalde afirma que “A veces es necesario reprimir el impulso de hacer público lo que debe ser un esparcimiento íntimo”.
Soy muy consciente de no ser ningún experto, así que también sé que el hecho de sentir la pulsión de opinar solo me convierte en un “opinador” amateur más en este país de “opinadores” profesionales.
En el mes de enero vi la representación por primera vez, en Toledo, en su gira previa (ver entrada ) Me encantó, pero el día 22 de abril, en el ensayo general que hicieron en el Teatro Español, me volvía a quedar mudo y me quitaba el cráneo ante esta compañía maravillosa, inteligente, exquisita, que funciona como una máquina perfecta de hacer teatro:
El texto es impecable, vibrante, riquísimo, trasladado al día de hoy con la maestría habitual de Miguel del Arco. La producción es estupenda, eficaz. Gracias, Aitor Tejada. Hasta las proyecciones se usan con mesura, sin los excesos habituales. El más mínimo detalle está cuidado: desde la música (impagable la canción en voz de Asier Etxeandía ) hasta el vestuario (como decía Teatrera en su blog, “hasta el bajo del impresionante mono-pantalón de Bárbara Lennie tenía la medida exacta) la iluminación de Juanjo Llores o cada interpretación, tan viva y a la vez tan precisa como el dobladillo de la Lennie.
En un texto tan rico y preñado de matices, cualquiera que viva en sociedad se verá reflejado o reconocerá todos y cada uno de los planteamientos de la obra. Y disfrutará, porque básicamente todos los tipos y actitudes posibles del hombre en sociedad caben. Las que se reproducen en un grupo de whatsapp , en una organización política, en un grupo de empresas, en el patio y en las redes sociales de los alumnos de un instituto, en un grupo de tertulianos profesionales ( este también es un país de tertulianos profesionales) o en el comedor de empleados de una fábrica.
Los actores y actrices están a la altura de sus mejores interpretaciones, que es mucho decir. Israel Elejalde, en un tono más grave, está magistral ( Su mirada final, o su escena bajo la escalera, mojado como un gato, recitando “si un hombre pudiera decir lo que ama” de Cernuda, no se pagan con dinero)
Maravilloso, inolvidable el Filinto de Raúl Prieto, en un cambio de registro que a algunos sorprenderá. Está soberbio.
Cristóbal Suárez “muy de piel”, como dice su Oronte, borda su personaje, como lo hace José Luis Martínez en el antipático Clitandro.
Impagable, imborrable la escena entre la seductora Celimena de Bárbara Lennie y la “íntegra” Arsinoé de Manuela Paso. Dos animales en un mismo escenario.
Y Miriam Montilla, la de personaje más templado, el más cercano, está igualmente maravillosa. Impagable su mirada final con Filinto, reflejo exacto de la mirada de los espectadores.
En fin, una función de las que siempre recordaré. Hacía mucho tiempo que no veía tanto entusiasmo entre un público que interrumpió con aplausos en varias ocasiones y que finalmente acabó aplaudiendo en pie a un equipo que, como tal, no merece un Max, sino el Nacional de Teatro, el Príncipe de Asturias y la declaración de Patrimonio Inmaterial de la Humanidad.
Ernesto Arias, otro maestro, definía en un tweet lo que se vio en ese ensayo general:
“Hoy he visto Misántropo. Lo digo sin tapujos, teatralmente hablando están los Kamikaze Producciones y luego estamos el resto de los mortales”.
Nada más que añadir, solamente que no sean incautos y no se pierdan la obra de la temporada. Palabra de tuiteatrero.
Pueden encontrar entradas aquí.
Ahora Empiezan Las Vacaciones
En 1907 Strindberg abrió el “Intima Teater” de Estocolmo, para representar obras de cámara, cortas, sin pausas, en un escenario pequeño y despojado, dentro de una sala mínima que hiciese que el público quedase totalmente involucrado en lo que se estaba viviendo en la escena. Estrenó la experiencia con «El Pelícano«. Aparentemente nunca quedó satisfecho con el resultado.
Strindberg tendría que haber vivido cien años más, que no es nada, para comprobar que en el siglo XXI dos estupendos creadores ( Paco Bezerra, adaptando su texto y Luis Luque dirigiéndolo ) conseguirían esa comunión perfecta entre cuatro intérpretes y 25 espectadores dentro del salón con estufa de butano de una casa del viejo Madrid.
Paco Bezerra ha añadido textos impagables a esa obra seca, oscura, dura, fría, inclemente y enternecedora. En 2013 llenó cada día que se representó y en 2014 ha vuelto para seguir ahogando corazones en un juego perverso de poder, deseo, egoísmo, secretos revelados, indefensión aprendida y un acto de rebeldía sin retorno.
“Ahora Empiezan Las Vacaciones”, esta versión de “El Pelícano”, ya lleva algo más de un año en mi frágil memoria y espero que no huya jamás de ella. La ha modificado, eso sí: Ahora el “sueño imposible” cantado por Elvis en bucle contínuo me causa una infinita tristeza; los taquillones son lugares siniestros que esconden tesoros, hambre, mentira, crueldad e incomprensión; ahora soy consciente de que el paraíso más amargo puede residir en un simple puñado de bombones, que el destino de los que siempre tendrán hambre es Vanuatu y que la Nocilla es un arma de seducción y sometimiento incontestable.
Los viernes y sábados de septiembre de 2014 a las 20:00 y 22:00 en La Casa de La Portera un reparto excepcional, conmovedor hasta la lágrima, duro y cruel hasta el horror, seguirá compartiendo su salón con un público que seguramente quedará modificado y conmovido por lo que habrá vivido entre esas cuatro paredes.
Y es que Raquel Pérez está magistral, como Raúl Tejón, Juan Codina y Lola Casamayor. Un texto redondo, una dirección exquisita y unos intérpretes excepcionales ¿Alguien puede dar más?
P.S.: En una representación de la obra coincidí con Julieta Serrano, quien al salir, absolutamente encantada por lo que había visto, expresaba su deseo de verla en la sala pequeña del Teatro Español. Sería el lugar perfecto para darla a conocer a un público más amplio, sin perder el sentido de este montaje mínimo.
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